Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841. Он был четвертым ребенком в многодетной семье лиможского портного, вскоре переехавшей в Париж. Ренуар с детства рисовал, а также имел прекрасный голос и пел в церковном хоре. Регент, руководящий хором, посоветовал родителям мальчика подумать о музыкальной карьере сына (это был Шарль Гуно, впоследствии написавший знаменитую оперу «Фауст»). Но отец был далек от мира музыки и мечтал о том, чтобы Огюст стал художником по фарфору. В 1854 в возрасте тринадцати лет молодой человек поступил на фарфоровую фабрику. Это ремесло нравилось Огюсту, он быстро выучился и стал расписывать блюдца и чашки, а потом и целые сервизы. Юноша часто ходил в Лувр и рисовал там, вдохновленный античной скульптурой и живописью Франсуа Буше — художника эпохи рококо, писавшего легкие жанровые сцены. Их Ренуар копировал в росписи по фарфору. Огюст неплохо зарабатывал для своего возраста. Он даже решил поступить фарфоровую мануфактуру, стал заниматься живописью под руководством коллега по фарфоровой фабрике — скульптора, предрекшего ему блестящее будущее в искусстве.Молодой РенуарТехнический прогресс XIX столетия ознаменовался отказом от ручного производства; печатные рисунки стали вытеснять роспись по фарфору. Владельцев мастерских, а также покупателей привлекало то, что печатная техника позволяла выпускать абсолютно одинаковые изделия; ручная роспись со временем перестала цениться. Молодой Ренуар сначала даже попробовал расписывать изделия с огромной скоростью, однако успеха не имел, из-за чего ему пришлось искать другой заработок. Он выполнял заказы по росписи вееров и стен одного парижского кафе. Позже случайно устроился мастером для росписи штор, освоил ремесло в совершенстве и стал снова неплохо зарабатывать, однако не хотел останавливаться на достигнутом, ибо это занятие не было пределом его мечтаний. Из-за угасшей популярности ручной росписи фарфора молодой Ренуар отказался от идеи и решил учиться живописи в Школе при Академии художеств, на что копил зарабатываемые деньги.В 1862 Огюст Ренуар осуществил задуманное и поступил в Школу изящных искусств в Париже. Здесь он попал в мастерскую академического художника Шарля Глейра. Молодой человек ужи имел достаточный опыт, но добросовестно посещал занятия и учился рисунку. Однако Глейру не нравилось, как Ренуар работал с цветом: он уже тогда использовал сочные яркие краски, что в академической среде не приветствовалось. Однажды учитель даже выразил опасения, что его вольнолюбивый ученик может стать вторым Делакруа — главным представителем французского романтизма, работавшим цветом, являющимся настоящим кумиром Ренуара, но «отступником» в глазах художников академического толка.Соучениками по мастерской Глейра были такие же молодые художники, некоторые из них по-своему бунтовали против академической манеры и искали новые пути. Очень скоро Клод Мопс, Фредерик Базиль, Альфред Спелей и Огюст Ренуар подружились, поскольку имели схожие взгляды па живопись и обсуждали возможности ее возрождения, то есть освобождения от оков академизма. Позже к ним присоединился Камиль Писсарро.Уже в 1863 Ренуар перестал посещать занятия, поскольку не мог их оплачивать. С этого времени он стал работать на пленэре, как и его друзья, которые вскоре также завершили художественное образование из-за закрытия мастерской Глейра. Молодые художники с трудом находили деньги на еду и краски для работы.К 1866 относится работа «Трактир матушки Антони» (Национальный музей, Стокгольм). В колористической гамме этого произведения доминирует черный цвет. С черными костюмами посетителей трактира резко контрастируют белоснежная скатерть на столике, а также светлые пятна передника прислуживающей женщины, белых воротничков, светлой широкополой шляпы одного из мужчин и разлегшейся у его ног белой собаки. Уже в этом раннем произведении можно проследить, как Ренуар строит композицию с помощью цвета: белая скатерть заключена в кольцо из черных фигур, вкрапление белых аксессуаров в котором помотает избежать слияния фигур в одну черную массу. Гармоничное распределение цветов достигнуто нанесением белых пятен «в шахматном порядке». В этой работе художник предстает прекрасным портретистом, а также мастером натюрморта: замечательно выписаны недоеденные групп и сгонка белоснежных блюдец и чашек со снятой кожицей от фруктов.В дальнейшем Ренуар будет часто обращаться к жанру натюрморта. Радостное впечатление рождает ранний «Натюрморт с большой цветочной вазой» (1866, Художественный музей Фогта, Кембридж), написанный в духе голландских натюрмортов — яркими, сочными и нежными красками.В 1867 Ренуар написал большой портрет своей любимой девушки Лизы Трео. Они встречались в течение семи лет, но Ренуар так и не женился, и Лиза порвала их отношения, выйдя через несколько месяцев замуж за молодого архитектора. Картину «Лиза» (Музей Фолькванг, Эссен) положительно принял Салон в 1868, что было большой удачей для молодою неизвестною художника. Девушка изображена в полный рост в белом платье, оттененном широким черным поясом и темным зонтиком от солнца. Платье словно выбелено ярким светом, а на лице и плечах героини, прикрывающейся зонтиком, играют солнечные блики. Эта светотеневая игра продолжается и на стволе широкой березы за спиной Лизы, и на траве, где темные тени граничат с ярко освещенными участками.Лиза Трео стала также героиней картины «Диана-охотница» (1867, Национальная галерея искусов, Вашингтон). Художник в силу моральных принципов эпохи не мог изображать обнаженной современную женщину, поэтому он вложил ей в руки охотничий лук, назвал мифологическим именем и тем самым дал своей работе право на существование, избежав скандала, который вызвала в 1863 работа Эдуарда Мане «Завтрак па траве».Ренуар часто писал портреты своих друзей-импрессионистов, совмещая их с жанровой живописью: художник изображал их в привычной для них обстановке за обычными занятиями, создавая тем самым документальные источники, повествующие о жизни этих люден. В «Портрете Фредерика Базиля» (1867, Музей д'Орсе, Париж) молодой Базиль занят, конечно же, живописью. Он сосредоточен па своей работе, к зрителю повернут в профиль. Полотно практически монохромно, за счет чего оно удивительно цельно стилистически, подобно черно-белым фотографическим снимкам, где объемы моделируются с помощью светотени.В 1868 Ренуар написал парный «Портрет Альфреда Спелея с женой» (Музей Вальрафа-Рихартца, Кельн). Спелей подчеркнуто внимателен к молодой супруге, в его позе читаются готовность услужить, помочь и поддержан, женщину, а также любовь и нежность. Семейная пара, изображенная па картине, словно источает свет любви и счастья.Данью уважения и восторга искусством Эжена Делакруа стала работ «Алжирская женщина» (1870, Национальная художественная галерея, Вашингтон), в которой Ренуар изобразил Лизу в образе одалиски, роскошной восточной женщины, томно возлежащей в пышных нарядах и манящей к себе. Здесь Ренуар упивается цветом. Фигура полулежащей женщины занимает практически все пространство полотна; кажется, что картине не хватает воздуха.Импрессионистический периодРенуар часто работал вместе с Клодом Моне. Они писали одни и те же пейзажи, наблюдали за тенью и светом в природе и изучали возможности цвета в передаче этих эффектов. Так родились знаменитые «Лягушатники» — одноименные работы художников. Плавучее кафе с веселящейся публикой, деревянные лодки, ожидающие пассажиров — вот их нехитрый сюжет. Живописец, оптимист по натуре, через все творчество пронес любовь к изображению праздника жизни, паяющих или отдыхающих дам и кавалеров. Он старался не замечать темных сторон бытия и считал, что искусство должно дарить прекрасные мгновения наслаждения, а не служить назиданием или скучным поучением.В «Лягушатнике» (1869, Национальный музей, Стокгольм) ист выверенной композиции, поэтому он кажется эскизом, а не законченным произведением, кадрировка сцены выглядит случайной. Она и была в известной степени случайной — то есть именно такой, какой эту сцену увидел художник, — не усложненной продумыванием композиции, построением перспективы, уравновешиванием планов. Ренуар преследовал совсем другую задачу — успел» передать атмосферу беззаботности и веселья теплого летнего дня, поймал» блики па воде, солнечные рефлексы на светлых платьях дам (хотя ламами этих особ женского пола можно назвать с натяжкой: большинство из них - девицы легкого повеления, обитательницы кафе сомнительной репутации). Живописцу нужно было писать в очень короткое время, так они с Моне выражали свою технику письма широкими быстрыми мазками, обозначавшими фигуры людей и окружающую обстановку, но не выписывавшими детали. Эта недосказанность живописи не нравилась публике, а небрежность художественной манеры вызывала нарекания.Импрессионизм зародился па пленэре. Молодых художников волновала передача мимолетных ощущений состояния природы. Постоянные изменения освещения были важны тем, кого в будущем - сначала ругательно и иронично назовут импрессионистами. Именно это стремление передачи впечатления от изменчивой и ускользающей действительности провело границу между их искусством и «мертвой» академической живописью. Академизм существовал в контексте узкого спектра исторической, мифологической и религиозной тематик, не признавая отображения современной эпохи. Традиционная живопись все идеализировала, во все привносила «внутренний порядок». Предметы и вещи на пейзажах, портретах и натюрмортах изображались идеальными, а не такими, какие они предстают человеческому глазу на самом деле. Импрессионисты хотели вернуть живописи жизнь: вслед за Моне молодой Ренуар стал писать на пленэре, ведь только такой метол работы позволял добиваться передачи естественности освещения, непосредственность которой утрачивается при работе по памяти в мастерской. Свет стал основным «действующим лицом» полотен. Однако, в отличие от Моне, Ренуара больше интересовала человеческая фигура в световоздушной среде, нежели природа сама по себе.Картина «Новый мост» (1872, Национальная галерея искусств, Вашингтон) написана по-другому. Ренуар предстает мастером ведуты (городского пейзажа), тщательно выстраивая перспективу и выписывая архитектурные детали. Манера письма — более гладкая, в построении объемов участвует линия, рисунок. Однако городской пейзаж с широким мостом и прогуливающейся по нему публикой виден словно сквозь дымку, очертания архитектурных элементов и фигуры людей лишены четких контуров, линии мягки. Ренуар запечатлел город, залитый солнцем, и воздух, пронизанный светом.Замечательна работа «Моне читает» (1872, Музей Мармотен, Париж) — поясной портрет художника в профиль, решенный в темных тонах, почти монохромный. Ренуар создал очень живой образ, показал Моне таким, каким сам его видел в повседневной жизни: в шляпе, с дымящейся трубкой в зубах и свежей газетой. Художник изучает эффекты освещения, обыгрывает освещенные и затененные участки лица Моне, газеты в его руках. Мастерски разбавляя общий темный колорит картины теплыми оттенками кистей рук, лица, спинки стула и белым цветом газеты, живописец добивается гармоничной композиции, строит цветом; ткань костюма смешается с темным фоном, словно поглощается полумраком. Ренуару это и нужно для передачи атмосферы позднего чтения в слабо освещенном помещении.Чрезвычайно эффектен «Портрег жены Клода Моне на диване» (1872, частное собрание, Лиссабон). Камилла Моне (урожденная Донсье) возлежит на диване в прекрасном синем платье, она явно позирует художник)', благосклонно позволяя себя рисовать. Ренуар не старается тщательно выписывай» окружающую обстановку, он передает ощущение свободы и спокойствия молодой хозяйки, нашедшей в своем распорядке дня время для отдыха. И, конечно, как истинный ценитель женской красоты любуется молодостью и свежестью своей модели. Художник обозначает диванные политики, подлокотник, о который опирается Камилла, и столик с поставленной на краю чашкой — все это лишь намечено, словно в эскизе. При этом диван кажется необыкновенно мягким — возможно, благодаря отсутствию строгого рисунка, четкой линии, разграничивающей предметы, которые будто сливаются друг с другом. Контуры размыты, что ласт эффект необычайной мягкости и воздушности, Ренуар словно показывает световоздушную среду, объединяющую все находящиеся в комнате предметы. И лишь черные волосы, глаза и брови Камиллы выделяются на общем фоне, притягивая взгляд зрителя.В 1874 Ренуар постоянно бывал в Аржантёе под Парижем, где в это время жил Моне, друзья работали вместе, часто писали парусные лодки на Сене. Так появилась картина «Регата близ Аржантёя» (1874, Национальная галерея искусств, Вашингтон). Здесь снова используется эскизная манера письма быстрыми широкими мазками, лающая возможность запечатлеть пейзаж, схватить состояние изменчивой природы. Очень динамично написано небо со рваными розовыми облаками, словно вобравшими в себя солнечный свет. Оно будто опрокидывается в Сену, отражающею рисунок облаков и белые паруса лодок, которые вбирают в себя рефлексы освещения и становятся на полотне Ренуара розоватыми. Художник пишет не линией, а цветовым пятном.Пейзаж «Тропинка в высокой траве» (1874, Музеи д'Орсе, Париж) перекликается с «Полем маков у Аржантёя» (1873, Музей д'Орсе, Париж) Клода Моне. Ренуар пишет прогуливающихся людей в утопающей в высокой полевой траве тропинке. Как и Моне, для передачи ощущения движения живописец повторяет фигурки людей наверху холма и у его подножия. Композиции как таковой здесь нет.Театр привлекал многих художников. Здесь можно найти различные сюжеты для живописных произведений, здесь собираются тысячи людей с разными судьбами, за которыми можно наблюдать и подмечать любопытные вещи. Интересна публика, сидящая в зрительном зале, интересны и актеры, существующие по ту сторону рампы. На знаменитой нашумевшей и провалившейся первой выставке импрессионистов, организованной в 1874 в ателье фотографа Надара, Ренуар представил работу «Ложа» (Галерея института Курто, Лондон). Это парный портрет дамы и кавалера, сидящих в театральной ложе в ожидании спектакля. Дама спокойно и прямо смотрит на зрителя, а ее кавалер, чуть откинувшийся назад, высматривает кого-то среди толпы в бинокль. Женщина немного грустна, а мужчина, кажется, забыл о ее присутствии. Она изображена ближе к переднему краю картины, ее ярко освещенное лицо словно ищет диалога со зрителем, а он отстранен от зрителя и своей спутницы в полумраке ложи. Так удивительно просто Ренуар расставил смысловые акцента — при помощи композиции и игры светотени.Танцовщица и парижанкаНа той же самой первой выставке импрессионистов кроме «Ложи» Огюст Ренуар показал еще две работы — «Танцовщицу» (1874, Национальная галерея искусств, Вашингтон) и «Парижанку» (1874, Национальный музей Уэллса, Кардифф). Танцовщица Ренуара — балерина в воздушно-голубом платье, стоящая в вольной IV-й позиции, напоминает работы Эдгара Дега, у которого театр был излюбленной темой. Однако героини Дега никогда не позировали художнику, он всегда запечатлевал их в танце или поклоне неожиданно, подобно папарацци, не акцентируя внимание на психологии. Ренуар работает по-другому. Его танцовщица изображена не в танце или сценическом образе, а в роли себя самой. В этом портрете важны немного грустные глаза и привлекательность молодой девушки, ее нежность и трепетность. Картина отличается мягкими контурами и пастельными тонами — в отличие от резко очерченных произведений Дега, работающего, безусловно, линией.Говоря о «Парижанке», хочется привести строки Александра Блока, написанные тридцатью с лишним годами позже, чем это полотно: «И каждый вечер, в час назначенный,(Иль это только снится мне?)Девичий стан, шелками схваченный,В туманном движется окне.И медленно, пройдя меж пьяными,Всегда без спутников, одна,Дыша духами и туманами,Она садится у окна...»Голова и плечи молодой женщины очерчены более четко, чем легкая юбка ее платья из воздушной ткани. Так Ренуар добивается эффекта существования фигуры в световоздушной среде — женщина словно выходит из дымки. Особенная прелесть образа заключается в том, что эта неуловимо-туманная мадмуазель открыта для контакта со зрителем.В 1875 Ренуар создал знаменитую «Обнаженную в солнечном свете» (Музей д'Орсе, Париж). Как явствует из названия, художник задумал написать девушку на природе, на ее нежной коже играют солнечные блики и рефлексы, отбрасываемые листвой — то есть поставил перед собой задачу истинно импрессионистическую. Картина вызвала резкое неприятие как публики, так и критики. Обнаженное женское тело по канонам традиционной живописи нужно было писать идеализированно, продумывая эффектную «постановочную» позу модели и выписывая идеально гладкую кожу в теплых оттенках. Вместо гладкой кожи Ренуар показал блики и рефлексы, которые рецензенты назвали трупными пятнами на разлагающемся теле.В следующем году художник написал еще одну «Обнаженную» (1876, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва). Ренуар, истинный ценитель женской красоты, любуется своей натурщицей, словно лаская кистью ее тело. Молодую тонкую кожу он идеально гладко выписал оттенками розового. Композиционно работа напоминает «Купальщицу» Жана Огюста Доминика Эигра (1807). Живописец впоследствии вернется к Энгру в переосмыслении своего собственного творческого пути.Огюст Ренуар участвовал и во второй выставке импрессионистов (1876), а на третьей (1877) в числе других работ представил «Качели» и «Бал в Мулен де ла Галетт».Во французской живописи XVIII века отсутствовал мотив качелей; Ренуару было известно одноименное полотно Фрагонара - «галантная сценка» со скрытым смыслом, где сидящему на земле кавалеру открываются заманчивые перспективы под разлетающимися на ветру юбками раскачивающейся барышни. «Качели» Ренуара (1876, Музей д'Орсе, Париж) — по сути та же «галантная сцена», заимствованная из живописи эпохи рококо и написанная на современный сюжет, только без фривольного подтекста. Молодой человек, повернутый спиной к зрителю (что само по себе недопустимо в традиционном искусстве), слегка качает задумавшуюся девушку, стоящую на деревянных качелях. Рядом с ними изображены мужчина и девочка, доверчиво и ласково смотрящая на даму. Детские образы - отдельная страница в творчестве художника.Большая картина «Бал в Мулен ле ла Галетт» (1876, Музей л'Орсе, Париж) написана на парижском холме Монмартре, где в то время еще сохранились три деревянные мельницы, в одной из которых открыли ресторан «Мулен де ла Галетт», известный вкусными котлетами (moulin — мельница, galette — котлета). Здесь устраивались танцы, собиравшие разношерстную парижскую публику, в том числе и художников. Блики света, пляшут на дамских платьях и костюмах мужчин. Картина Ренуара — это праздник жизни, беззаботной молодости, необыкновенно радостной и светлой. Она являет своеобразный документ эпохи: здесь запечатлены парижский уголок, увеселения танцующих людей среднего класса. Ренуар посвятил большое полотно повседневному сюжету, что было непривычно для того времени.Картины живописца долго не продавались, поскольку публика не признавала искусство импрессионистов. Однако выставки давали полезные знакомства так Ренуар получил несколько заказов на портреты, которые помогали кое-как сводить концы с концами. Удачной была встреча с супругами Шарпантье. Мадам Шарпантье имела в Париже свой салон, где собиралась интересная публика: писатели, поэты, художники и артисты. Именно здесь Ренуар познакомился с актрисой Жанной Самари, с которой написал три портрета.Лиричный и живой «Портрет Жанны Самари» (1877, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва) написан изумительно. Благодаря позе - молодая актриса опирается рукой о подбородок, как в доверительной беседе, ее прямым открытым взглядом, обращенным прямо на зрителя, и максимальному приближению изображения к краю, задается близкий контакт модели и зрителя, в чем заключается невыразимая прелесть портрета и невозможность остаться к нему равнодушным.В 1878 Ренуар вновь написал Жанну Самари в одноименной работе (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) — теперь уже в полный рост в роскошном белом платье со шлейфом, сильно обтягивающем стройную фигуру. И даже здесь, в парадном портрете, модель вступает в диалог со зрителем - чуть наклонившись к нему, пожертвовав прямой картинной расправленностью плеч и гордостью осанки, слепо приоткрыв губы. И снова прямой открытый взгляд, не отпускающий зрителя.Портреты«Портрет мадам Шарпантье с детьми» (1878, музей Метрополитен, Нью-Йорк) — вполне «салонная» работа, явно написанная в угоду самой хозяйке. Картина особенно прелестна, благодаря двум милым детским фигуркам, написанным в непосредственных позах, передающих неповторимую детскую пластику, припухлость ручек и ножек, мягкость завитков волос. Композиция полотна вновь выстроена цветом: на общем фоне красно-коричневых оттенков домашней обстановки выделяется фигура мадам Шарпантье в черном платье с контрастной белой вставкой на груди, нижней юбкой, выглядывающей из-под подола, и огромный сенбернар черно-белого окраса. В этом черно-белом обрамлении написаны дети в коротеньких нежно-голубых платьицах.Огюст Ренуар — признанный мастер портрета. Он умел уловить и передать мимолетное настроение модели. «Девушка с веером» (1881, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) — еще один замечательный пример работы портретного жанра. Нежное задумчивое лицо молодой девушки с падающими на лоб прядями темных волос выписано гладко и тщательно, а детали туалета, кисти рук, веер и фон — более мягко, с размытыми контура ми. Недоработанный фон служит лишь обрамлением прекрасного лица, не отвлекая внимание зрителя от нежной кожи, приоткрытых губ и блестящих темных глаз. Есть здесь и хитрость живописца: нежный цвет лица акцентируется чередованием белых и темных пятен: белые участки веера — и темная ткань на груди платья, белый воротничок - и темные волосы модели.В отличие от других импрессионистов, Ренуар решил участвовать в Салоне — только так можно было получить известность и полезные знакомства. В 1879 Салон принял, благодаря стараниям самой мадам Шарпантье, имевшей полезные связи в обществе, два полотна — «Портрет мадам Шарпантье с детьми» и «Портрет Самари». Ренуар наконец-то заявил о себе, его работы были благосклонно встречены публикой, а сам художник стал получать новые заказы. До 1882 он больше не участвовал в выставках импрессионистов. Его материальное положение настолько улучшилось, что в 1881 он смог позволить себе путешествие в Алжир, Венеции), Рим и Помпеи.В начале 1880-х Ренуар познакомился с Алиной Шериго, живущей неподалеку от пето и воплощающей идеал женской красоты живописца Алина появлялась во многих работах художника, начиная с «Завтрака гребцов» (1881, Коллекция Филлипс, Национальная галерея, Вашингтон), а позже она станет сто супругой. В картине «Завтрак гребцов» Ренуар обращается к легкофигурной композиции в естественном освещении. И снова — праздник жизни, беззаботность молодости, ухаживания кавалеров, улыбки дам, тонкости взаимоотношений. Полотно было выставлено на седьмой выставке импрессионистов в 1882 вместе с венецианскими пейзажами, созданными во время путешествия в Италию.В 1883 состоялась персональная выставка Ренуара.Заслуженный успех и новые поискиВ 1880-е Огюст Ренуар стал уважаемым художником не только во Франции, но и за ее пределами. Он часто путешествовал. В 1885 у живописца и Алины родился первый ребенок — сын Пьер. Семья перебралась в Шампань на родину Длины. Через год Ренуар создал портрет супруги, держащей у груди маленького Пьера, — «Материнство» (1886, Музей изобразительных искусств, Сент-Питерсберг, Флорида). Работа воспевает уже иные радости — не беззаботные увеселения парижской публики, а прелести семейной жизни, счастье материнства. Полотно несколько сентиментально: сельская идиллия, полная молодая Алина, кормящая грудью младенца с пухлыми ножками. Пропорции сидящей па стуле женщины кажутся немного укороченными из-за того, что Ренуар писал ее стоя, то есть точка зрения художника находилась выше модели.Огюст Ренуар, признанный мастер импрессионизма, со временем стал разочаровываться в разработанной им самим манере письма. Неудовлетворенный собой, он уничтожал некоторые написанные картины. С самого начала творческой карьеры художник всегда искал вдохновение и «подсказки» в искусстве прошлых эпох; когда-то становлению его творческой индивидуальности помогла живопись Франсуа Буше, Жана Оноре Фрагонара, Эжена Делакруа. Теперь он обратился к искусству Жана Огюста Доминика Энгра — гениального неоклассика и академиста, мастера линии (в противоположность Делакруа, работавшему цветовыми пятнами), писавшего обольстительных обнаженных красавиц и необыкновенно мягкие женские портреты. Ренуар также стал использовать опыт мастеров Возрождения, с произведениями которых познакомился в Италии.Мастер оставался верен миру красоты, радости и светлого счастья. Грустных, философских или назидательных произведений он никогда не писал. Парные работы «Танец в деревне (1882— , Музей д'Орсе, Париж), «Танец в городе» (1883, Музей д'Орсе, Париж), а также «Танец в Буживале» (1883, Музей искусств, Бостон) стали логическим продолжением тем, затронутых художником в творчестве предыдущих лет. На всех трех картинах изображены танцующие пары, упоенные музыкой и движением, словно развивающие тему безоблачного счастья молодости «Бала в Мулен де ла Галетт».Работа «Танец в деревне» заставляет вспомнить о раннем «Портрете Альфреда Сисли с женой» здесь мы видим ту же нежность, забот у и предупредительность кавалера, обнимающего свою даму. Движения танцующих покоряют непосредственной пластикой и обнаруживают характер их взаимоотношений: молодой мужчина нежно влюблен в свою подругу, готов всячески ей услужить, а она купается в его любви, как в музыке, отдаваясь танцу и полностью подчиняя свои движения его ведущей силе.Партнеры «Танца в городе» более сдержанны в движениях. Изысканные костюмы говорят об их более высоком социальном статусе; девушка держится прямо, не опирается с простонародной доверчивостью на плечо партнера. Поза строга и соответствует нормам этикета. Лицо девушки спокойно, оно не выражает радости и счастья, которыми светится героиня парной картины. Лица молодого человека и вовсе не видно за девушкой. «Танец в Буживале» демонстрирует отход от импрессионистической манеры письма: если листва деревьев и фон картины написаны еще по-старому, то платье девушки и костюм ее партнера изображены довольно плотно и гладко. По настроению это полотно близко к предыдущему, в нем те же непосредственность и нескрытые чувства — девушка немного стыдливо прячет глаза от своего партера, старающегося всячески завоевать ее внимание.Одна из самых известных работ Ренуара «Зонтики» (1881— , Национальная галерея, Лондон) была начата в расцвет импрессионестического периода его творчества, а закончена через пять лет, уже после знакомства художника с искусством мастеров Возрождения и переосмысления собственного живописного пути. В левой части холста женские фигуры написаны более мягко, а в правой появляется четкая контурная линия. На первый взгляд, кажется, что картина лишена композиции, и прохожие с раскрытыми зонтами хаотично наводнили улицу города. Однако прослеживается диагональное построение композиции: первая диагональ проходит от головы девочки в правой части полотна, подчеркивается тростью наклоненного зонта и завершается головами девушки и стоящего за ней мужчины в левой части. Вторая диагональ намечена линией трости зонтика в руках дамы, сопровождающей девочек. «Зонтики» стали последней большой картиной Ренуара, посвященной жизни современного ему города, Искусство Ренессанса наложило отпечаток не только на живописную манеру мастера, но и на выбор тем.Ренуар до конца жизни оставался певцом женской красоты — аппетитных форм, молодой кожи, искрящихся глаз. «Большие купальщицы» живописца (1887, Художественный музей, Филадельфия) свидетельство влияния великих мастеров прошлого. Контурный рисунок, тонко выписанные обнаженные тела с нежной кожей, классические драпировки и компоновка фигур в пространстве представляют пирамидальную композицию в форме треугольника.Гладко написано обнаженное тело сидящей женщины и в картине «После купания» (1888, частное собрание), однако тени остаются импрессионистическими, цветными, и фон полотна выполнен широкими мазками. Рисунок тела боле мягкий, чем в предыдущей работе.В 1894 в семье Ренуаров появился второй ребенок — сын Жан. Художник по-прежнему много путешествовал. В 1897 в жизни мастера началось «хождение но мукам». Ренуар встал с велосипеда и сломал правую руку, что, на первый взгляд, не предвещало никаких проблем. Картины он научился писать девой рукой, но после этого перелома стал испытывать постоянные боли. Так начинался артрит, который не оставлял живописца в течение двадцати лег жизни, постепенно скрючивал пальцы, сковывал движения и мимику, а потом и вовсе парализовал его. Алина делала все для спасения супруга, однако после кратковременных улучшений состояния неизменно наступали ухудшения. К Ренуарам часто приезжали друзья, сам мастер до последнего дня своей жизни работал. В 1901 в семье родился третий сын Клод, ставший, любимой моделью стареющего художника.В 1900 Огюст Ренуар стал кавалером ордена Почетного легиона, а через десять лет — офицером этого ордена. Картины художника были представлены на многих выставках в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и принесли ему заслуженную славу.Парные работы «Танцовщица с тамбурином» и «Танцовщица с кастаньетами» (обе - 1909, Национальная галерея, Лондон) обнаруживают явное влияние искусства Возрождения: пластика тел, драпировки, спокойно-созерцательное выражение лиц, абстрактный фон сближают их с фресками великих мастеров прошлого. Полотна декоративны, фигуры танцовщиц кажутся сошедшими со старинного фриза.Очень не похожа на «классические» портреты Ренуара работа «Габриэль с розой» (1911, Музей д'Орсе, Париж). Палитра холста потемнела, модель не сияет красотой, ослепляя лучезарной улыбкой и блеском глаз. Прослеживается более мощная пластическая проработка объемов. Однако по-прежнему стареющий художник любуется нежностью гладкой кожи своей модели (Габриэль была родственницей его жены и занималась воспитанием одного из сыновей Ренуаров).Во время Первой мировой войны ушли на фронт старшие сыновья Ренуаров, и оба вернулись ранеными. Алина старалась спасти своих детей, но умерла, не вынеся переживаний. Ренуар же продолжал писать в инвалидном кресле, превозмогая боль во всем теле до своей смерти 2 декабря 1919.++++++++++++++++++++Pierre Auguste RenoirThe French painter Pierre Auguste Renoir (1841-1919) was one of the central figures of the impressionist movement. His work is characterized by an extraordinary richness of feeling, a warmth of response to the world and to the people in it. During the 1870s a revolution erupted in French painting. Encouraged by artists like Gustave Courbet and douard Manet, a number of young painters began to seek alternatives to the traditions of Western painting that had prevailed since the beginning of the Renaissance. These artists went directly to nature for their inspiration and into the actual society of which they were a part. As a result, their works revealed a look of freshness and immediacy that in many ways departed from the look of Old Master painting. The new art, for instance, displayed vibrant light and color instead of the somber browns and blacks that had dominated previous painting. These qualities, among others, signaled the beginning of modern art.Pierre Auguste Renoir was a central figure of this development, particularly in its impressionist phase. Like the other impressionists, he struggled through periods of public ridicule during his early career. But as the new style gradually became accepted, during the 1880s and 1890s, Renoir began to enjoy extensive patronage and international recognition. The high esteem accorded his art at that time has generally continued into the present day.Renoir was born in Limoges on Feb. 25, 1841. Shortly afterward, his family moved to Paris. Because he showed a remarkable talent for drawing, Renoir became an apprentice in a porcelain factory, where he painted plates. Later, after the factory had gone out of business, he worked for his older brother, decorating fans. Throughout these early years Renoir made frequent visits to the Louvre, where he studied the art of earlier French masters, particularly those of the 18th century—Antoine Watteau, Franois Boucher, and Jean Honor Fragonard. His deep respect for these artists informed his own painting throughout his career.Early CareerIn 1862 Renoir decided to study painting seriously and entered the Atelier Gleyre, where he met Claude Monet, Alfred Sisley, and Jean Frdric Bazille. During the next 6 years Renoir's art showed the influence of Gustave Courbet and douard Manet, the two most innovative painters of the 1850s and 1860s. Courbet's influence is especially evident in the bold palette-knife technique of Diane Chasseresse (1867), while Manet's can be seen in the flat tones of Alfred Sisley and His Wife (1868). Still, both paintings reveal a sense of intimacy that is characteristic of Renoir's personal style.The 1860s were difficult years for Renoir. At times he was too poor to buy paints or canvas, and the Salons of 1866 and 1867 rejected his works. The following year the Salon accepted his painting Lise. He continued to develop his work and to study the paintings of his contemporaries— not only Courbet and Manet, but Camille Corot and Eugene Delacroix as well. Renoir's indebtedness to Delacroix is apparent in the lush painterliness of the Odalisque (1870).Renoir and ImpressionismIn 1869 Renoir and Monet worked together at La Grenouillere, a bathing spot on the Seine. Both artists became obsessed with painting light and water. According to Phoebe Pool (1967), this was a decisive moment in the development of impressionism, for "It was there that Renoir and Monet made their discovery that shadows are not brown or black but are coloured by their surroundings, and that the 'local colour' of an object is modified by the light in which it is seen, by reflections from other objects and by contrast with juxtaposed colours."The styles of Renoir and Monet were virtually identical at this time, an indication of the dedication with which they pursued and shared their new discoveries. During the 1870s they still occasionally worked together, although their styles generally developed in more personal directions.In 1874 Renoir participated in the first impressionist exhibition. His works included the Opera Box (1874), a painting which shows the artist's penchant for rich and freely handled figurative expression. Of all the impressionists, Renoir most consistently and thoroughly adapted the new style—in its inspiration, essentially a landscape style—to the great tradition of figure painting.Although the impressionist exhibitions were the targets of much public ridicule during the 1870s, Renoir's patronage gradually increased during the decade. He became a friend of Caillebotte, one of the first patrons of the impressionists, and he was also backed by the art dealer Durand-Ruel and by collectors like Victor Choquet, the Charpentiers, and the Daidets. The artist's connection with these individuals is documented by a number of handsome portraits, for instance, Madame Charpentier and Her Children (1878).In the 1870s Renoir also produced some of his most celebrated impressionist genre scenes, including the Swing and the Moulin de la Galette (both 1876). These works embody his most basic attitudes about art and life. They show men and women together, openly and casually enjoying a society diffused with warm, radiant sunlight. Figures blend softly into one another and into their surrounding space. Such worlds are pleasurable, sensuous, and generously endowed with human feeling.Renoir's "Dry" PeriodDuring the 1880s Renoir gradually separated himself from the impressionists, largely because he became dissatisfied with the direction the new style was taking in his own hands. In paintings like the Luncheon of the Boating Party (1880-1881), he felt that his style was becoming too loose, that forms were losing their distinctiveness and sense of mass. As a result, he looked to the past for a fresh inspiration. In 1881 he traveled to Italy and was particularly impressed by the art of Raphael.During the next 6 years Renoir's paintings became increasingly dry: he began to draw in a tight, classical manner, carefully outlining his figures in an effort to give them plastic clarity. The works from this period, such as the Umbrellas (1883) and the Grandes baigneuses (1884-1887), are generally considered the least successful of Renoir's mature expressions. Their classicizing effort seems self-conscious, a contradiction to the warm sensuality that came naturally to him.Late CareerBy the end of the 1880s Renoir had passed through his dry period. His late work is truly extraordinary: a glorious outpouring of monumental nude figures, beautiful young girls, and lush landscapes. Examples of this style include the Music Lesson (1891), Young Girl Reading (1892), and Sleeping Bather (1897). In many ways, the generosity of feeling in these paintings expands upon the achievements of his great work in the 1870s.Renoir's health declined severely in his later years. In 1903 he suffered his first attack of rheumatoid arthritis and settled for the winter at Cagnes-sur-Mer. By this time he faced no financial problems, but the arthritis made painting painful and often impossible. Nevertheless, he continued to work, at times with a brush tied to his crippled hand. Renoir died at Cagnes-sur-Mer on Dec. 3, 1919, but his death was preceded by an experience of supreme triumph: the state had purchased his portrait Madame Georges Charpentier (1877), and he traveled to Paris in August to see it hanging in the Louvre.+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++Tchaikovsky - Waltz of the Flowers from The Nutcracker